Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris jornades. Mostrar tots els missatges
Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris jornades. Mostrar tots els missatges

27 de des. 2010

Una jornada de fotografia de paisatge imprescindible per a descobrir-ne les claus


Segur que molts ja els coneixeu perquè tenen dos dels blocs més inspirats i amb més seguidors fidels (entre ells, jo mateixa). Són el Manel Soria (àlies Dr. Frikosal) i el Jordi Busqué que, a més de blocaires, comparteixen amistat i dues grans passions (potser alguna més, però jo no n’estic al cas): l’amor per les estrelles i la fotografia.

Doncs bé, aquests dos homes inquiets que han publicat les seves imatges als millors mitjans, han tirat pel dret i junts han creat un projecte que han batejat amb el suggeridor i estel·lar nom de Celístia, des del qual volen promoure la fotografia més autèntica, aquella que es basa en l'experiència personal en contraposició a la fotografia retocada i “creada” davant de l'ordinador. I comencen fort!

Una de les fotos del reportatge sobre els mennonites de Bolívia que Jordi Busqué ha publicat al EPS, entre d'altres mitjans.

Una imatge espectacular de la Via Làctia damunt d'un moai que el Manel Soria va realitzar a l'illa de Pasqua.

El proper dissabte 15 de gener, el Manel Soria i el Jordi Busqué han muntat un primer debat (la idea és que n'hi hagi molts més) titulat Fotografia de paisatge: de la visió inicial a la foto impresa, en què diversos professionals disseccionaran fotografies i analitzaran la multitud de factors que afecten la seva qualitat.

A la taula rodona hi participaran:
- El dissenyador gràfic Albert Buendía, que parlarà d'alguns detalls que normalment s'escapen a l'ull del profà però que són importants a l'hora de construir una imatge.
- Sis fotògrafs paisatgistes de primera línia: l’Albert Masó, Francesc Muntada, Jep Flaqué, Joan Guillamat, Manel Soria i Jordi Busqué, que mostraran el procés pel qual van arribar a les seves imatges finals en la naturalesa i la manera com processar els arxius RAW.
- L'impressor José Joaquín Moreno explicarà com treure el màxim partit a l'hora d'imprimir una fotografia.
- I servidora (si, ho heu llegit bé, el Jordi i el Manel han comès la temeritat de convidar-m’hi), que parlaré dels diferents criteris a l'hora de valorar una fotografia de paisatge.

Per organitzar la trobada, que tindrà lloc a la magnífica sala Prat de la Riba de l'Institut d'Estudis Catalans, al carrer del Carme, 47 de Barcelona, Celístia compta amb la col·laboració de la Societat Catalana de Fotògrafs de Natura i Objectiu Natura. L'entrada és gratuïta, però cal reservar plaça prèviament enviant un email a celistia.foto@gmail.com

La cosa promet ser molt didàctica i interessant. Jo, de vosaltres, no me la perdria!

18 de jul. 2010

"Quan la fotografia no serveix per a res en diuen art", afirma Oliviero Toscani al OjodePez Photo Meeting



Després de tres dies d’una calor horrorosa, amb unes temperatures i una humitat tropicals soportables, en part, gràcies a les cerveses i l’aigua que l’organització subministrava gratuïtament als assistents, el OjodePez Photo Meeting, el congrés de fotografia documental organitzat per La Fábrica i la Virreina Centre de la Imatge a Barcelona, s’ha acabat.

Durant tres dies, el cor de la Rambla ha estat un anar i venir constant de fotògrafs, editors gràfics, periodistes i estudiants de fotografia vinguts d’arreu que, immunes a la xafogor, han assistit a les conferències, debats, projeccions i visionats de portfolis. El gran atractiu de la trobada ha estat, sens dubte, poder conèixer en persona i escoltar l’opinió de 35 dels especialistes i fotògrafs més rellevants del gènere a nivell internacional, gent que són tot un referent, amb l'objectiu de generar un debat al voltant del fotoperiodisme entre ells i el públic.

Una de les conferències més esperades i que més expectació va generar és la que va protagonitzar el fotògraf Oliviero Toscani, autor de les campanyes publicitàries de la firma Benetton.

Susan Meiselas i Oliviero Toscani, dos dels convidats al OjodePez Photo Meeting de Barcelona. Foto: Quesabesde

Al fotògraf italià, famós per revolucionar els principis de la moda i reinventar les regles de la publicitat, sembla que li queda curt el vestit de fotògraf. Toscani va donar a entendre que és una mena de Juan Palomo: no només és l'autor de les fotos sinó també del concepte de cada encàrrec, sigui campanya publicitària, exposició o portada d'una revista de moda.

En tots els casos, Toscani imposa i té cura de tots els detalls, des de la producció i l'estilisme, fins el grafisme i la recerca de l’impacte mediàtic publicitari, sempre amb imatges provocadores creades per a la reflexió i no per a la simple contemplació estètica. Per això afirma: “És impossible ser demòcrata i que hi hagi consens quan treballes en el límit. El consens condueix a la mediocritat".

En aquest sentit, Toscani es considera un creatiu, un artista que intenta canviar la percepció de les coses, convençut com està que la fotografia és una de les eines més eficaces de conscienciació social. Com a responsable de campanyes publicitàries tan polèmiques com la que mostrava a un malalt de la sida moribund o a una model amb anorèxia, mig món se li va posar en contra per explotar el patiment aliè. Però ell, seguríssim de si mateix i engrandit davant l'adversitat afirma: “La fotografia ha de tenir una funció social. Quan no serveix per a res, en diuen art". Per això, va afegir amb ironia malèvola que la fotografia “és actualment l'autèntic art modern".

De totes maneres, crec que el Toscani actual (un clon del Leo Bassi més excèntric, excessiu i provocador), està de tornada de tot. Després de mostrar-nos les imatges més impactants de l’evolució del seu treball fotogràfic determinades per la polèmica i una producció sofisticada i complexa, Toscani va mostrar part del seu nou projecte fotogràfic, un retrat senzill i sincer de la raça humana que està realitzant a través de milers de fotos de rostres anònims que es troba pel carrer. Sembla com si el fotògraf italià s’hagués desprès d’artificis i provocacions. Serà això possible?

25 de juny 2010

La fotografia actual als Encuentros PhotoEspaña 2010: globalització, art i trivialitat

Després de les reflexions al voltant de la fotografia espanyola del segle XX, la tercera jornada dels Encuentros PhotoEspaña 2010 va estar dedicada a la fotografia més actual. Tres destacats experts, Christian Caujolle, Rafael Doctor i Joan Fontcuberta, es van centrar a analitzar-ne l'estat i els reptes més propers.

Caujolle, fundador de l'agència Vu, comissari d'exposicions i escriptor, és de l'opinió que avui en dia, amb la globalització, el territori on un artista ha de difondre la seva obra és el món sencer, tot i que és molt difícil que un fotògraf pugui donar-se a conèixer a l'exterior si les institucions no li donen suport. L'excepció, segons Caujolle, seria Joan Fontcuberta, un cas exemplar que va tenir molt clar des d'un principi que per a existir havia que donar-se a conèixer internacionalment.

Christian Caujolle, al costat d'Alejandro Castellote, que durant unes hores va exercir de mestre de cerimònies en els Encuentros.

Com que els Encuentros tenien per títol "Fotografia española: el estado de la cuestión", Caujolle va llançar una sèrie de preguntes a l'auditori: quin sentit té avui parlar de la identitat nacional quan els fotògrafs o artistes es mouen pel món i es traslladen a viure i a treballar d'un lloc a un altre? És legítim que algú digui que situa el seu treball en el context i la tradició del seu país? Quin sentit té definir-se com a fotògraf espanyol? Com s'ha de presentar la fotografia espanyola a nivell de màrqueting? És important que Joan Fontcuberta sigui espanyol per crear i existir en un mercat internacional?

Per a Caujolle, aquesta manera de situar-se respecte a una obra precedent tindrà sentit o no en funció de si l'obra del fotògraf es correspon o no amb la tradició espanyola. Però per a saber-ho cal tenir una base històrica que sigui un referent que ens ajudi a valorar la creació contemporània. El problema, segons Caujolle, és que encara no s'ha dut a terme una recuperació historiogràfica de la fotografia espanyola durant el franquisme que ens ajudi a tenir uns referents i, per tant, encara és la nostra assignatura pendent.

Per sort, en opinió de Caujolle, la situació de la fotografia a Espanya ha canviat moltíssim. PhotoEspaña n'és un exemple: "és el millor festival del món", va assegurar, "de la mateixa manera que ParisPhoto és la millor fira". Segons el comissari, el panorama ha millorat moltíssim, però estem en un moment de transició. El mercat de la premsa ha desaparegut, però per als fotògrafs documentals el mercat de l'art tot just ha començat a obrir-se. Els fotògrafs han de definir bé el seu treball per a poder existir i decidir a quins territoris es dirigeixen. El mercat principal continua sent els Estats Units, l'europeu i els perifèrics (l'Índia, Xina, Brasil i alguns països de Llatinoamèrica). Si els artistes no tenen en compte el fet que hi ha zones emergents a Àsia i Amèrica Llatina, probablement estan perdent l'oportunitat de participar en la creació d'una fotografia europea (millor que no pas espanyola). "Hauríem de saber si som capaços d'elaborar projectes de llibres, exposicions i festivals en els quals puguin aparèixer artistes, de manera legítima, que siguin del nostre país, però amb obres que tinguin un valor universal. Hauríem de ser capaços de fer que la fotografia espanyola tingui el seu lloc", va sentenciar.

En aquest sentit, Caujolle aposta per les exposicions com a forma principal per a difondre l'obra fotogràfica perquè "cada vegada més hi ha més públic jove per a les exposicions de fotografia. El llibre, en canvi, suposa un cost per a l'espectador, excepte si les publicacions reben suport de les institucions per fer grans tirades que permetin que un públic massiu les pugui comprar. Cal donar prioritat a les exposicions perquè arribin a un públic important", va assegurar. També les fires i les biennals són importants, tal i com va demostrar la difusió de l'obra de la Cristina Garcia Rodero després de participar a la biennal de Venècia de 2001.

Un altre dels fenomens que s'estan produint actualment, segons Caujolle, és la proliferació dels tallers de fotografia. "Els workshops s'han convertit en el nou bussiness dels fotoperiodistes, un cop ha desaparegut el mercat de la premsa", va afirmar, tot afegint-hi: "Els tallers mai m'han convençut". Per això va explicar que està implicat en un nou projecte que anomena "intersecció", que consisteix en promoure l'intercanvi d'experiències i coneixements entre fotògrafs europeus i asiàtics, ja que és partidari de compartir idees i treballs.

Caujolle va destacar que actualment, totes les galeries d'art s'han adaptat a la realitat i mostren fotografia. "Han hagut de passar més de 160 anys perquè la fotografia es respecti i galeristes i crítics que abans no en tenien ni idea, n'aprenguessin", va rematar.

Per la seva banda, el director del Museu d'Art Contemporani de Castella i Lleó, Rafael Doctor, va afirmar en la seva ponència que gràcies a la fotografia, l'art s'ha enriquit. "La fotografia dialoga amb un munt de gèneres perquè no vol ser purista. És un espai molt ric que pot créixer i que ja no s'entén com un objecte", va assegurar.

Rafael Doctor va oferir una conferència plena d'arguments sobre els millors fotògrafs del moment.


En un intent de definir el concepte de postmodernitat, Doctor va afirmar que "és la contradicció entre diversos punts de vista, l'espai on tot és possible". Segons Doctor, tot es pot veure des de qualsevol perspectiva, tot està estructurat en capes i cadascuna té la seva raó de ser.

Des d'aquest punt de vista, Doctor va donar un llistat dels 10 fotògrafs principals de la primera dècada del segle XXI, tot comentant abans: "Cada vegada hi ha menys dones treballant com a artistes. Això em dol".

Segons Doctor, els fotògrafs més rellevants de l'actualitat són:

Pierre Gonnord: els seus retrats tenen tots els aspectes constructius dels retrats del barroc i són hipercomunicatius.
Retrat realitzat per Pierre Gonnord.

Ricky Dávila: barreja el retrat amb el reportatge en una recerca constant de la dignitat humana. La seva web és magnífica.
Foto: Ricky Dávila.

Carmela Garcia: el seu treball té un cert aspecte romàntic.
Foto del projecte 'Sisterland', de Carmela Garcia.

Sergio Belinchón: investiga sobre el paisatge i s'inventa constantment. Té unes referències que no oculta i per això és molt sincer. El seu treball "Atacama" és un dels millors que s'ha fet mai sobre paisatge.
Imatge del projecte 'Atacama', de Sergio Belinchón.

Bleda i Rosa: el premi nacional de fotografia que els van concedir al 2008  marca un abans i un després a la seva obra. Els va donar un impuls moral per continuar amb el seu treball de reflexió sobre la història i el temps a través de la imatge.
Díptic de Bleda i Rosa corresponent al seu projecte 'Campos de Batalla'. Les imatges corresponen al paratge on hi havia el campament de Peña-Redonda, Numància, any 133 a. JC.

Ángel Marcos: a nivell formal, el seu reportatge sobre la Xina és el millor que s'ha fet en els darrers anys.
Imatge del projecte sobre Xina de l'Àngel Marcos.

Carles Congost: un dels artistes millor representats a les col·leccions de diferents museus.
Una de les imatges del projecte 'Two empires' de Carles Congost.

Jordi Bernardó: essencial per entendre el paisatge a nivell mundial.
Foto de Jordi Bernardó.

Xavier Ribas: ha desenvolupat un treball similar al que fan Bleda i Rosa, però als afores de Barcelona.
Foto de Xavier Ribas del projecte 'Sundays BCN'.

Juan Manuel Ballester: artista procedent de la pintura però ara gran fotògraf.
Juan Manuel Ballester, davant una de les seves imatges.

Doctor va remarcar que ara que existeixen nous espais (Flickr, Facebook, webs ...) i noves maneres de difondre l'obra fotogràfica, tot està per canviar i per fer-se. "Però això no ho faran ni les institucions ni les estructures de poder, sinó els mateixos fotògrafs, els que estan per sota", va advertir. I va confessar: "Jo no necessito anar a veure moltes exposicions perquè puc veure molts treballs per Internet", en clara al·lusió al que havia comentat Caujolle respecte a la preferència de les exposicions com a forma per a difondre l'obra fotogràfica.

Per últim, la conferència de Joan Fontcuberta va ser una de les que va rebre més aplaudiments. Va començar fent referència a les preguntes que sobre identitat nacional havia llançat Christian Caujolle. Per Fontcuberta, la pregunta hauria de ser si en l'era de la globalització té sentit parlar de creació artística i fotogràfica en relació amb el color del passaport. Per a Fontcuberta, està claríssim: avui les arrels identitàries han de ser el món sencer.

Joan Fontcuberta, durant la seva conferència.

A l'igual que Caujolle, Fontcuberta també va remarcar que a Espanya manca una història de la fotografia complerta. Per a il·lustrar-ho, Fontcuberta va donar unes quantes dades: des de 1976, només s'han publicat a Espanya 129 tesis doctorals amb la paraula "fotografia" al títol, el 0'090% del total de les tesis publicades. Aquestes dades són com un termòmetre, unes dades fidedignes que demostren de què pateix la història de la fotografia espanyola. "Hem fet arqueologia de la història, però no interpretació", afirmava un Fontcuberta inspirat. Per això, queda molt per fer i els futurs historiadors professionals tenen el repte d'interpretar la història en base a una metodologia objectivable, no subjectiva.

Segons Fontcuberta, estem assistint a una revolució d'efectes incalculables que ens fa pensar en l'era dels dinosaures que van desaparèixer. La fotografia pateix un sisme conseqüència dels canvis tecnològics que han afectat a les nostres vides d'una forma tan intensa que els conceptes que coneixíem abans s'han metamorfosat. La fotografia s'ha dissolt. El que era fonamentalment fotogràfic ha mutat. La memòria i la veritat s'allunyen dels usos fotogràfics. "La substitució de la realitat per les imatges ja és un fet", afirma Fontcuberta. Vivim en una iconosfera, en un món d'imatges que han substituït la realitat, i la nostra percepció la tenim a través de pantalles intermèdies. És el magma que compon la nostra atmosfera. La creació, per tant, només pot ser amb imatges i la nostra resposta ha de ser en funció d'aquestes imatges. I va posar-hi un exemple: té sentit fer una foto d'una posta de sol a Madrid, per exemple, si quan posem a Flickr "posta de sol a Madrid" sortiran més de set milions de fotos iguals?

Fontcuberta va destacar com alguns artistes fan un reciclatge d'imatges procedents d'Internet per a construir una nova obra. Són fotos sense qualitat, trivials, però que convenientment agrupades ens fan semblar un discurs intel·ligent. "L'acumulació acaba per compondre o fer semblar un projecte", va assegurar. D'aquí que el títol de la seva conferència fos "Por una fotografía sin calidad". És una fotografia que cedeix la qualitat a la idea, al concepte, per sacsejar l'espectador amb aquesta pobresa. La perfecció i l'obsessió pels elements que tradicionalment han preocupat a la fotografia s'han deixat de banda en favor de l'ús de les imatges, del sentit que vulguem donar a les fotos.

Dues pàgines de la revista Useful Photography, editada per Erik Kessels. 

Per a il·lustrar-ho, Fontcuberta va posar-hi uns quants exemples d'artistes que fan un "reciclatge" d'imatges procedents de Flickr. El més destacat, el cas d'Erik Kessels, un artista que publica una revista que es titula Useful Photography, sense text ni periodicitat, només fotografies. Són fotos, per exemple, d'objectes que es venen a Ebay, que en la seva estranyesa componen un catàleg increïble. O imatges de gent desapareguda, de molt mala qualitat. En ambdós casos, l'acumulació de fotos d'un mateix tema acaba per compondre un projecte. Són trivials, però agrupades ens fan semblar un discurs intel ligent.

Arribats a aquest punt, Fontcuberta va mostrar el seu nou projecte titulat 'A través del espejo', que encaixa perfectament en aquesta línia de reciclatge d'imatges procedents d'Internet que ja havia utilitzat en un anterior projecte anomenat 'Googlegramas'. A través del espejo és una selecció de 360 autoretrats anònims realitzats davant el mirall capturats per Fontcuberta a Internet, que ha batejat amb el nom de "reflectogrames", i que responen a tot tipus de motivacions. La projecció de les imatges a una pantalla gran de l'auditori va ser un cop d'efecte sorprenent perquè estava farcida d'autoretrats de gent anònima en tot tipus de situacions, moltes eròtiques i pornogràfiques. La meva sorpresa va ser majúscula quan vaig reconèixer l'autoretrat que el blocaire Hugo Solo, un dels habituals comentaristes d'Enfocant, té penjat en un dels seus blocs (en una actitud molt moderada, tot cal dir-ho).

"Avui tothom s'ha fet fotos davant d'un mirall", assegurava Fontcuberta, convençut que totes les persones que omplíem l'auditori del Ministerio de Cultura en aquells moments ens havíem autoretratat davant el mirall en alguna ocasió. Segons Fontcuberta, l'important d'aquestes fotografies sense sentit és l'acte de fer la imatge i enviar-la, no tant el contingut. És un ús nou de la fotografia destinat a la celebració, al compartir, per fer-nos feliços.

"Què hi ha darrere d'aquestes imatges?", es preguntava Fontcuberta. "Moltes coses. Per començar, un gest d'agitació. Avui trenquem les barreres entre el que és públic i privat. És un acte revolucionari que trenca amb tot l'establert. És una fotografia errant que vagareja i que té errors, perquè en l'error està l'avenç. Aquests errors són un repertori estètic d'avantguarda, no la repetició de models anteriors", afirmava. "Tot i que segurament aquestes fotos no tindran èxit a les galeries... encara", va pronosticar. I per rematar: "Cada vegada hi ha menys consciència d'autor i més de prescriptor. L'autor no és important. L'ecosistema està canviant".

Si voleu participar en el projecte A través del espejo de Joan Fontcuberta, podeu enviar-li els vostres autoretrats a l'adreça mirror@fontcuberta.com

21 de juny 2010

La fotografia a Espanya de 1920 a 1990: el que va ser i el que podia haver estat


Com ja vaig avançar a l'anterior post, els Encuentros de PhotoEspaña d'enguany duien per títol "Fotografía española: el estado de la cuestión" i tenien com objectiu reflexionar i analitzar el panorama fotogràfic espanyol des de 1920 fins avui. Per això, les conferències es van organitzar seguint un ordre cronològic.

Sintetitzant molt, tots els especialistes van coincidir en assenyalar que des de 1920 fins 1990, la fotografia espanyola s'ha caracteritzat per una absència d'estructures i una manca de suport d'institucions i museus. Juan Manuel Bonet, exdirector del Centre d'Art Reina Sofia, va remarcar que entre 1920 i 1950 no existien llibres de vanguardia com el de Brassai sobre Paris que documentessin el creixement de ciutats com Barcelona o Madrid, o que donessin una visió moderna del que eren aquells anys. Tampoc hi havia exposicions ni museus amb obra gràfica. Només existien algunes revistes com Nueva Visión o D'aci i d'allà.

Juan Manuel Bonet va dedicar la seva conferència a analitzar la fotografia espanyola de la primera meitat del segle XX.

Després va arribar la guerra civil i, amb ella la fotografia moderna, documental i narrativa d'Agustí Centelles (que utilitzava el llenguatge de la vanguardia soviètica) i de fotògrafs estrangers com Robert Capa i David Seymour, que van cobrir el conflicte bèlic.

Fotografía d'Agustí Centelles, que va treballar al bàndol republicà i la seva significació política el va obligar a l'exili a França el 1939.

Segons Bonet, durant el franquisme va coexistir una fotografia que no tenia res a veure amb les vanguàrdies amb una altra de gent amb una visió més moderna com la de Joaquim Gomis, Francesc Català Roca, Joan Colom o Xavier Miserachs. La responsable de gestió i investigació del Fondo Fotográfico Universidad de Navarra, Asunción Domeño, experta en l'obra del fotògraf José Ortiz Echagüe, el va posar com exemple d'aquesta fotografia franquista èpica i pictorialista centrada en temes populars, retrats racials i enèrgics, i tradició.

Fotografia de José Ortiz Echagüe

Els anys 60 van ser, en paraules d'un altre dels conferenciants, Manuel Santos, un dels períodes més brillants de la fotografia a Espanya, tot i que no hi havia cap infraestructura de difusió d'aquells treballs fotogràfics. El títol de la conferència de Manuel Santos era tot un plany per aquells temps: "El que va ser i el que podia haver estat", si comparem la fotografia espanyola amb la de França o Estats Units.

La Núria Gras fa una foto del Manuel Santos durant la seva conferència.

Segons Santos, hi va haver alguns fotògrafs que van ser profetes incompresos i que es van avançar a la seva època: Manuel Falces, Koldo Chamorro, Ramon Masats, Ricard Terré, Carlos Pérez Siquier. Van començar a editar llibres i a signar les seves fotos. També van començar a crear-se agrupacions fotogràfiques i col·lectius com La Palangana, a Madrid, i el Grupo Afal, a Almeria, fundat per Pérez Siquier i que va aglutinar els fotògrafs més inquiets del país. Aquest grup editava la revista Afal i amb els Anuaris Afal va fer un pas de gegant per difondre l'obra d'aquests fotògrafs a l'estranger.

Laura Terré, presidenta del Centre de Fotografia Documental de Barcelona i filla de Ricard Terré, es va emocionar quan va parlar de l'obra del seu pare recentment desaparegut.

Un altre dels conferenciants, Alejandro Castellote, ex-director artístic de PhotoEspaña, va voler destacar que els anys 80 i 90 són els més importants de la fotografia espanyola, determinats sobre tot pel context polític i social. La mort de Franco marca un abans i un després. Hi havia una voluntat de pertànyer a Europa, de deixar de ser una excepció, d'esborrar l'Espanya màgica i oculta. En paraules de Castellote, Espanya era una "identidad vergonzante". Comença, doncs, una etapa d'efervescència eufòrica (la famosa movida madrilenya), amb moltes propostes creatives i una nòmina d'autors de gran personalitat: Cristina Garcia Rodero, Manel Esclusa, Alberto Garcia-Alix, Juan Manuel Castro Prieto...

Alejandro Castellote, durant la seva intervenció.

Segons Castellote, als 80, Barcelona és l'epicentre de la fotografia. Molts fotògrafs es converteixen en gestors culturals organitzadors d'esdeveniments i festivals que fan allò que no fa cap institució ni museu, ja que les institucions artístiques i culturals segueixen menyspreant la fotografia. La premsa tampoc li fa gaire cas, tot i que els fotògrafs estan emplaçats a il·lustrar la transformació de la societat espanyola i la consolidació de la democràcia. En paraules de Castellote "tot estava per fer i són els mateixos fotògrafs els que es posen les piles". Tot i així, Castellote va afirmar que els fotògrafs espanyols han estat sempre massa pendents de l'exterior, del que es feia a altres països, i que per això han perdut l'oportunitat d'inventar-se, de crear una fotografia espanyola genuïna i amb personalitat pròpia.

Alejandro Castellote va ser el primer comissari de PhotoEspaña. Aquí el veiem amb l'Alberto Anaut, director de La Fábrica (dreta).

Durant els 90 es va inaugurar el Centre d'Art Reina Sofia, el museu d'art contemporani més important del país. Tot i així, no va ser fins el 2000 que van dedicar-hi una sola exposició a un fotògraf viu (Ortiz Echagüe) i una altra a un fotògraf mort. Segons Alberto Anaut, director de La Fábrica i de PhotoEspaña, durant tot 1997, a Madrid es van inaugurar sis exposicions de fotografia. Ara, en un sol dia s'hi poden veure 300. També al 1994 es van crear els primers Premis Nacionals de Fotografia, dotats econòmicament amb una quantitat bastant més baixa que els d'Arts Plàstiques. Per arrodonir-ho, a finals dels 90 neix el festival PhotoEspaña amb les reticències d'alguns que creien que era una involució, una tornada a l'aïllament de la fotografia, just en el moment en què aquesta s'estava obrint al món de l'art i a ser reconeguda com a tal.

El Chema Madoz, premi nacional de fotografia de l'any 2000, va ser un dels ponents de les jornades.

Segons Castellote, la creació d'un Centre Nacional de Fotografia hauria ajudat a que la fotografia espanyola estigués a l'alçada d'altres països. També hauria evitat la destrucció de molts arxius fotogràfics que en molts casos han acabat a les escombraries. Segons Castellote, "si s'hagués creat un Centre Nacional de Fotografia, potser s'hauria pogut evitar aquest desastre". Però l'aspiració de molts fotògrafs de crear un centre d'aquestes característiques xoca amb la naturalesa fragmentada de l'estat de les autonomies. Avui en dia, però, n'existeixen ja 3 o 4, el darrer creat recentment a Catalunya: el Centre de la Imatge, al palau de la Virreina.

Tant Castellote com Bonet van sostenir que actualment la fotografia s'està desplaçant a la perifèria i que hi ha un moviment de col·lectius fotogràfics força similar al que es va produir als anys 60, per la necessitat d'unir-se per sobreviure i poder tirar endavant nous projectes.

Següent post: La fotografia actual als Encuentros PhotoEspaña 2010: globalització, art i trivialitat

19 de juny 2010

Encuentros PhotoEspaña 2010: tres dies de reflexió apassionant sobre la fotografia espanyola

Juan Manuel Castro Prieto, gran fotògraf i positivador de l'obra de Cristina Garcia Rodero i Chema Madoz, durant els Encuentros PhotoEspaña 2010.

Fa exactament 10 dies que la pesada i gegantina màquina de PhotoEspaña, "el millor festival de fotografia del món" en paraules dels comissaris Alejandro Castellote i Christian Caujolle, ha començat a rodar. I ho ha fet celebrant a Madrid unes jornades dedicades a reflexionar i analitzar el panorama fotogràfic espanyol. Sota el títol "Fotografía española: el estado de la cuestión", un total de 33 conferències i presentacions han servit per prendre-li el pols a la fotografia actual tenint com a referent 100 anys de la història de la fotografia a Espanya, des del 1920 fins el 2010.

Com totes les coses que munta La Fábrica, els Encuentros han estat un èxit total. Segons l'Alberto Anaut, l'ànima de PhotoEspaña, el poder de convocatòria va ser tan gran que la quota d'inscripcions es va completar en només tres dies.

Aspecte de l'Auditori del Ministerio de Cultura durant una de les jornades dels Encuentros.

El dia de la inauguració, la Mònica Tudela, gran amiga, fotògrafa i periodista, i jo vam arribar a l'Auditori del Ministerio de Cultura amb mitja hora d'antelació i ja hi havia una llarga cua al carrer. Tot i així, vam aconseguir seure a segona filera (la primera estava reservada als ponents) per poder fer-hi fotos i prendre notes sense perdre detall.

Mònica Tudela, a la dreta, i jo, a l'Auditori del Ministerio de Cultura de Madrid.

Les jornades van ser una desfilada d'estrelles, una oportunitat única de veure i escoltar les figures més rellevants de la fotografia espanyola, des de llegendes vives com Ramon Masats i Leopoldo Pomés...

Tres genis en una sola foto: Oriol Maspons (assegut), Ramon Masats (al centre) i Leopoldo Pomés.

...a premis nacionals de fotografia com Chema Madoz, Cristina Garcia Rodero i Bleda i Rosa...

Cristina Garcia Rodero va provocar una gran ovació al final de la seva intervenció.

...passant per figures actuals com Txema Salvans, Ricky Dàvila i Isabel Muñoz, i joves fotògrafs emergents.

Ricky Dàvila, al costat de l'Alberto Anaut, el director de PhotoEspaña.

També va ser l'oportunitat de conèixer de primera mà les tesis i opinions de teòrics i experts reconeguts com Juan Manuel Bonet, Manuel Santos, Alejandro Castellote, Christian Caujolle, Rafael Doctor i Joan Fontcuberta.

Joan Fontcuberta també va recollir grans aplaudiments al final de la seva intervenció.

I de coincidir amb amics com el Manel Úbeda i la Núria Gras, amb qui vam tenir el plaer de compartir taula i tertúlia al voltant de la fotografia.

Manel Úbeda, director de les escoles de fotografia IDEP, conversa amb la Cristina Garcia Rodero uns minuts abans que la fotògrafa comencés la seva presentació.

Les xerrades estaven dividides en conferències i presentacions. Les primeres anaven intercalades amb les segones i es van centrar a analitzar els diferents períodes en què es divideix la història de la fotografia espanyola (anys 20-30 del segle XX, guerra civil, postguerra, anys 60 a 80 i anys 80 fins a l'actualitat). En canvi, les presentacions anaven encaminades a mostrar l'obra i les característiques del treball dels fotògrafs més representatius de cada període. Algunes presentacions van ser magnífiques, com les de Txema Salvans, que va mostrar el seu darrer treball sobre la prostitució a la C-31 que va realitzar camuflat de topògraf, amb fotos d'enquadraments formals, colors desaturats i gran format, un projecte segurament pensat pel mercat de les galeries d'art...

Txema Salvans va divertir el públic de l'auditori amb les seves anècdotes.

...Ramon Masats, que en una presentació molt amena i divertida va mostrar el seu treball en color més desconegut...

Ramon Masats conversa amb l'Alberto Anaut uns minuts abans de començar la seva ponència.

...i Chema Madoz, que va posar en evidència les connexions, coincidències i similituds del seu treball amb el d'artistes d'altres temps com Joan Brossa, Mona Hatoum i el pintor René Magritte.

La conferència de Chema Madoz va ser molt il·lustrativa.

D'altres presentacions, en canvi, van resultar avorrides i amb discursos carents d'interès. És el cas d'alguns fotògrafs novells i emergents com Marta Soul o Matias Costa, o el dels consagrats Bleda i Rosa, que van aconseguir avorrir al públic amb els plantejaments teòrics de la seva obra, una reflexió sobre els conceptes d'història i temps que intenta justificar intel·lectualment una obra amb pretensions documentals basada en la trista i monòtona repetició i que sense el discurs teòric no es sostindria per si mateixa.

Maria Bleda i José Maria Rosa, premis nacionals de fotografia 2008, al costa d'Alberto Anaut.

Si alguna cosa hauria de criticar d'aquestes jornades, però, és l'apretat programa que no va deixar espai a cap debat ni discussió amb el públic, cosa que hauria enriquit molt les jornades. Probablement si en lloc de 33 exposicions n'haguessin fet la meitat, hauria hagut més temps i entre tots, públic i conferenciants, els temes s'haurien pogut tractar amb més profunditat.

Els fills i nets de Francesc Català Roca i Pere Català Pic reflexionen sobre l'obra del seu pare i avi al costat de l'Alberto Anaut (dreta).

Després d'escoltar 33 ponents durant tres jornades de 10 hores seguides cadascuna (excepte la primera, que va durar 14 hores, des de les 10 del matí fins a les 12 de la nit), és impossible resumir en un post tot el que s'hi va parlar. Per això, en els propers dies intentaré donar-vos una pinzellada del que em va semblar més interessant, repartit en un parell de posts. Per tant,... continuarà!

14 de març 2010

Els processos de valoració en fotografia des del punt de vista de l'edició gràfica

Com molts sabeu, els organitzadors de la primera edició de Caja Azul van tenir el detall de convidar-me a donar una xerrada sobre els processos de valoració de la fotografia. La meva exposició em vaig centrar en
els processos de valoració de la fotografia des del punt de vista de l'edició gràfica, tant la que realitza l'editor gràfic com la que ha de fer tot fotògraf respecte el seu propi treball. Cal tenir present que la valoració és una de les funcions bàsiques de qualsevol edició.

Per a valorar, és indispensable aplicar-hi un criteri. I què és el criteri? És un conjunt de normes que hem d'adquirir i aplicar per a poder valorar una imatge o treball fotogràfic, que ens permetrà prendre decisions. No existeix un criteri únic, universal i unívoc, sinó que existeixen tants criteris com persones. La qüestió és adquirir-ne un de propi que ens guiï a l'hora de valorar i triar (o descartar) una fotografia o un reportatge.

La valoració és un procés que sol estar interioritzat i que realitzem inconscientment. L'experiència visual i intel.lectual que hem adquirit al llarg dels anys ens permet arribar a conclusions rapidíssimes sobre el valor d'una imatge sense haver d'analitzar cada aspecte de manera individual. Tot i així, a la valoració cal tenir present diferents elements:

  • Aspectes morfològics, que tenen a veure amb totes les qüestions tècniques, formals i compositives de la imatge.
  • De contingut, que tenen a veure amb el que apareix fotografiat, el que es veu i el que no es veu.
  • Semàntics, relatius als possibles significats. A grans trets, aquí entren en joc aspectes relacionats amb la percepció dels missatges segons les actituds, interessos i escala de valors de cada espectador i les diferents lectures i interpretacions que es poden produir en funció del marc on s'insereix el treball fotogràfic o de la persona que l'observa. Cal tenir present, però, que amb l'edició, li donem a la foto un significat unívoc, una intenció, que pot coincidir o no amb el sentit que tenia el treball fotogràfic originalment.

Les percepcions inconscient i conscient que realitza cada persona són les que determinen la interpretació global d'una imatge. En la percepció inconscient influeix l'experiència passada de l'individu, els records.

En canvi, en la percepció conscient influeixen totes les experiències personals, visuals i intel.lectuals que hem acumulat al llarg dels anys. És a dir, com més experiència visual i intel.lectual tinguem, més coses veurem en una foto i més capacitat tindrem per a valorar-la. Per això és tan important construir un bon criteri.

Foto: David Monfil.

A la ponència també vaig tenir oportunitat de comentar quines són les característiques d'una bona foto de premsa. Des del meu punt de vista, no hi ha una regla matemàtica, però hi ha un consens més o menys clar que considera que una bona foto és aquella que té tensió, és a dir, que mostra el que està succeint o suggereix el que pot succeir. També aquella que mostra un cert grau de conflicte o que atrapa l'instant decisiu d'una acció, com més a prop millor.

Vaig proposar dos criteris diferents per valorar imatges de premsa:

  • El que prioritza la descripció i el contingut per damunt de l'estètica, és a dir, aquelles imatges evidents i descriptives en les que no calen gaires explicacions.
  • El que dóna prioritat a l'estètica, és a dir, imatges subtils, que suggereixen més que no pas descriuen i que tenen valor pel que representen.

Per últim, vaig destacar els criteris bàsics que regeixen l'edició gràfica en una revista de geografia i viatges:

  • Prioritat de l'estètica.
  • Llums impecables, millor les de primera hora del matí i última hora de la tarda.
  • Qualitat de llibre d'art.
  • Enquadraments formals, tot i que de tant en tant és interessant aportar ritme al treball fotogràfic amb enquadraments més personals i agosarats.
  • Imatges que vagin a l'essència. Les millors fotografies de paisatge i natura són les que mostren un món menys caòtic, difícil i accidentat que el que veiem, un món simplificat i idealitzat. En aquest tipus de fotografia és millor restar, no sumar.

Si després d'arribar fins aquí no t'has cansat, pots mirar el vídeo de la ponència que han penjat els organitzadors de Caja Azul.

Gràcies a Alfons Rodríguez, Rafa Pérez, Fran Simó, Marcelo Aurelio i David Monfil per haver comptat amb mi, i a tots els assistents per la seva participació.

8 de març 2010

L'exemple de Caja Azul obre un camí de noves oportunitats

L'estrena de Caja Azul no podia haver anat millor.

La iniciativa nascuda al Facebook i liderada per l'Alfons Rodríguez d'organitzar una trobada de fotògrafs, teòrics i aficionats per a reflexionar i debatre al voltant de la fotografia, va concentrar dissabte passat un bon nombre d'assistents a l'IDEP de Gran Via. A l'espera de que el Fran Simó i el seu equip de Barcelona Photobloggers pengin el vídeo i el podcast amb les ponències i debat per a tots aquells que no vau poder assistir-hi, és bo dedicar-hi un temps a la reflexió.


Alfons Rodríguez presenta la primera edició de Caja Azul. Foto: Marcelo Aurelio

El fotògraf i professor Rafa Badia, durant la seva ponència. Foto: Marcelo Aurelio

Per mi, la conclusió més important, al marge del que es va parlar i debatre, és que els blocs i les xarxes socials estan possibilitant la creació i el creixement d'una comunitat de gent amb interessos similars i ganes de fer moltes coses, que es posen d'acord en un objectiu comú i el tiren endavant. Això, que fins ara era molt complicat de realitzar, ara és possible. I crec que obre un munt d'oportunitats.

Paco Elvira va ser el segon ponent en intervenir. Foto: Marcelo Aurelio

Aquí em teniu a mi, durant el meu torn. Foto: Marcelo Aurelio

En una professió de naturalesa individual, on sovint el fotògraf ha hagut de buscar-se la vida tot sol, la possibilitat d'unir sinèrgies amb altres col·legues de manera tan transversal pot obrir una via de noves oportunitats. Crec que utilitzant eines tan poderoses com els blocs i Facebook podem aconseguir anar més enllà que el compartir experiències i coneixements. La creació de projectes col·lectius o l'organització dels mateixos fotògrafs de cara a aconseguir allò que es proposin poden ser fórmules que dinamitzin i ajudin a tirar endavant la professió.

La darrera ponència la va realitzar el Manel Úbeda, professor i director d'IDEP. Foto: Marcelo Aurelio

Com diu l'Alfons Rodríguez, "la fotografia no està en crisi, els diaris si". Crec que és el moment de creure'ns-ho i demostrar-ho. Si aquesta energia es canalitza, es poden aconseguir grans coses. Caja Azul, igual que les jornades de fotografia de La Garriga, en són la constatació.

Mil gràcies a Marcelo Aurelio, de Barcelona Photobloggers, per cedir-me les fotos.

PD: Després de publicar aquest post, el Fran Simó ja ha publicat els vídeos de les ponències a la pàgina de Caja Azul. Les trobareu aquí.